Intermezzo, for piano and electronics (2019) – 8′ – [op. 34]

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Screen Shot 2020-01-21 at 10.40.14Intermezzo [op.34]

for piano and electronics
dedicated to Franco Venturini

[it] Il titolo Intermezzo suggerisce l’idea della transizione da una situazione musicale verso un’altra e fa riferimento alla scrittura pianistica degli intermezzi di Brahms. Franco Venturini, dedicatario del brano, ha profondamente influenzato la scrittura grazie alla sua profonda conoscenza dello strumento e delle tecniche pianistiche più contemporanee. Tre idee caratterizzano il brano: le prime due sono definite da una figura caratterizzata dall’articolazione dell’attacco e della risonanza al pianoforte e la seconda a quella di ribattuto. Gli attacchi e le risonanze sono realizzati tramite tecniche estese dello strumento (clusters, movimenti di pedale molto lunghi, percussione sulle corde, amplificazione pensata per ottenere un’immagine di prossimità dello strumento). La prima idea è caratterizzata dal filtraggio della risonanza causata da un forte colpo di pedale rilasciato (‘slap!’al pianoforte) tramite un cluster di note mute che progressivamente viene ridotto in termini di registro; la seconda è opposta alla precedente: un cluster cromatico è suonato sui tasti e la risonanza è attenuata alzando progressivamente il pedale. L’attacco – nella prima, muto e fatto risuonare dal colpo di pedale; nella seconda, suonato tramite un cluster di diverse ottave – e la risonanza – nella prima figura filtrata tramite la riduzione dello spazio di risonanza attivato dal cluster-muto, nella seconda fatta risuonare tramite il pedale, che progressivamente si alza, e articolata tramite gruppetti di note che si percorrono un profilo discendente, come una leggera zigrinatura. Queste due figure sono pensate come l’una la variazione dell’altra. L’esecuzione del pedale gioca un ruolo fondamentale. Due movimenti la caratterizzano: la percussione e il progressivo rilascio. La percussione articola la risonanza e la seconda permette, tramite l’amplificazione dello strumento, di passare gradualmente dalla risonanza al suono secco percependo gli smorzatori che, in maniera disordinata, arrestano la vibrazione delle corde; l’elemento percussivo definisce anche delle figure che ritornano, nella maggior parte dei casi variate. Il ribattuto – eseguito con la tecnica del doppio scappamento, della nota stoppata sulla tastiera e del ribattuto tradizionale – definisce la terza idea del brano. La composizione percorre un asse caratterizzato dal passaggio attraverso le tre idee musicali e si fonda su una variazione continua – una ripetizione costantemente modificata nel minimo dettaglio – che crea una sorta di fuga in avanti, di divenire costante che si interrompe brutalmente. Le tre idee sono fatte interagire e sono in continuo sovrapposte creando un oggetto musicale molteplice. In questo brano lavoro sulle nozioni di flusso di idee sonore, o di monologo interiore, pensato come un indice delle possibili idee musicali, e di variazione differenziale che lavora intorno alle soglie tra le figure del brano. La parte elettronica è concepita per essere interattiva. Una patch Max sviluppa un processo di trasposizione di frequenza dello spettro sonoro legato all’ampiezza del segnale proveniente dal pianoforte ma inversamente proporzionale per intensità, in modo da creare una distorsione del segnale maggiore sulla risonanza piuttosto che sull’attacco. L’amplificazione dello strumento è pensata per ottenere un segnale di prossimità, con un microfono di contatto sulla cassa armonica dello strumento, e due microfoni panoramici. Il missaggio delle sorgenti permette di ottenere un’immagine sonora precisa e ampia nello stesso momento. L’esecuzione richiede un mixaggio in diretta del pianoforte e della parte elettronica, le quali devono fondersi il più possibile.

[en] The title Intermezzo suggests the idea of the transition from one musical situation to another and refers to the piano writing of Brahms’ intermezzos. Franco Venturini, dedicatee of the piece, has deeply influenced the writing thanks to his deep knowledge of the instrument and the most contemporary piano techniques. Three ideas characterise the piece: the first two are defined by a figure characterised by the articulation of the attack and resonance at the piano and the second by the repartee. The attacks and resonances are realized through extended techniques of the instrument (clusters, very long pedal movements, percussion on the strings, amplification designed to obtain an image of proximity of the instrument). The first idea is characterized by filtering the resonance caused by a strong pedal stroke released (‘slap!’ at the piano) through a cluster of mute notes that is progressively reduced in terms of register; the second is opposite to the previous one: a chromatic cluster is played on the keys and the resonance is attenuated by progressively raising the pedal. The attack – in the first, mute and resonated by the pedal stroke; in the second, played through a cluster of several octaves – and the resonance – in the first figure filtered through the reduction of the resonance space activated by the cluster-mute, in the second made to resonate through the pedal, which progressively rises, and articulated through clusters of notes that run a descending profile, like a slight knurling. These two figures are thought of as each other’s variation. The execution of the pedal plays a fundamental role. Two movements characterize it: percussion and progressive release. The percussion articulates the resonance and the second allows, through the amplification of the instrument, to pass gradually from resonance to dry sound perceiving the dampers that, in a disorderly way, stop the vibration of the strings; the percussive element also defines figures that return, in most cases varied. The repetition – performed with the technique of the double escapement, the stopping note on the keyboard and the traditional repetition – defines the third idea of the piece. The composition follows an axis characterized by the passage through the three musical ideas and is based on a continuous variation – a repetition constantly modified in the smallest detail – that creates a sort of forward fugue, of becoming constant and brutally interrupted. The three ideas are made to interact and are continuously superimposed creating a multiple musical object. In this piece I work on the notions of flow of sound ideas, or of inner monologue, conceived as an index of possible musical ideas, and of differential variation that works around the thresholds between the figures in the piece. The electronic part is conceived to be interactive. A Max patch develops a process of frequency transposition of the sound spectrum linked to the amplitude of the signal coming from the piano but inversely proportional in intensity, so as to create a distortion of the major signal on the resonance rather than on the attack. The amplification of the instrument is designed to obtain a proximity signal, with a contact microphone on the sound box of the instrument, and two panoramic microphones. Mixing the sources allows to obtain a precise and wide sound image at the same time. The performance requires a live mixing of the piano and the electronic part, which must blend as much as possible.

[fr] Le titre Intermezzo suggère l’idée de la transition d’une situation musicale à une autre et fait référence à l’écriture au piano des intermèdes de Brahms. Franco Venturini, dédicataire de la pièce, a profondément influencé l’écriture grâce à sa connaissance approfondie de l’instrument et des techniques pianistiques les plus contemporaines. Trois idées caractérisent la pièce : les deux premières sont définies par une figure caractérisée par l’articulation de l’attaque et de la résonance au piano et la troisième par le ribattuto. Les attaques et les résonances sont réalisées grâce à des techniques étendues de l’instrument (clusters, mouvements de pédale très longs, percussions sur les cordes, amplification destinée à obtenir une image de proximité de l’instrument). La première idée se caractérise par le filtrage de la résonance provoquée par un fort coup de pédale relâché (“slap !” au piano) à travers un cluster de notes muettes qui est progressivement réduit en termes de registre ; la seconde est opposée à la précédente : un cluster chromatique est joué sur les touches et la résonance est atténuée en élevant progressivement la pédale. L’attaque – dans la première, muette et mise en résonance par le coup de pédale ; dans la seconde, jouée à travers un cluster de plusieurs octaves – et la résonance – dans la première figure filtrée par la réduction de l’espace de résonance activée par la coupure du cluster, dans la seconde mise en résonance par la pédale, qui monte progressivement, et articulée à travers des clusters de notes qui suivent un profil descendant, comme un léger ondoiement. Ces deux figures sont considérées comme une variation l’une de l’autre. L’exécution de la pédale joue un rôle fondamental. Deux mouvements la caractérisent : la percussion et la relâche progressive. La percussion articule la résonance et la seconde permet, grâce à l’amplification de l’instrument, de passer progressivement de la résonance au son sec en percevant les amortisseurs qui, de façon désordonnée, arrêtent la vibration des cordes ; l’élément percutant définit également des figures qui reviennent, dans la plupart des cas variées. La répétition – réalisée avec la technique du double échappement, de la note d’arrêt sur le clavier et de la répétition traditionnelle – définit la troisième idée de la pièce. La composition suit un axe caractérisé par le passage à travers les trois idées musicales et est basée sur une variation continue – une répétition constamment modifiée dans le moindre détail – qui crée une sorte de fuite en avant, de devenir constante et brutalement interrompue. Les trois idées sont faites pour interagir et sont continuellement superposées créant un objet musical multiple. Dans cette pièce, je travaille sur les notions de flux d’idées sonores, ou de monologue intérieur, conçu comme un index des idées musicales possibles, et de variation différentielle qui fonctionne autour des seuils entre les figures de la pièce. La partie électronique est conçue pour être interactive. Un patch Max développe un processus de transposition de fréquence du spectre sonore lié à l’amplitude du signal provenant du piano mais inversement proportionnel en intensité, de manière à créer une distorsion du signal principal sur la résonance plutôt que sur l’attaque. L’amplification de l’instrument est conçue pour obtenir un signal de proximité, avec un microphone à contact sur la caisse de résonance de l’instrument, et deux microphones panoramiques. Le mixage des sources permet d’obtenir une image sonore précise et large à la fois. Le spectacle exige un mélange en direct du piano et de la partie électronique, qui doivent se fondre autant que possible.

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